A sus 83 años, el neoyorquino Martin Scorsese (1942) ha cosechado prácticamente todos los galardones que existen: un Oscar, tres Globos de Oro, tres BAFTA y hasta una Palma de Oro. El director de Taxi Driver (1976) y Los asesinos de la luna (2023) acumula un largo palmarés que respalda más de seis décadas dedicadas al séptimo arte. Sin embargo, más allá de filmar, Scorsese ha dedicado buena parte de su carrera a reflexionar y debatir sobre el cine mismo.
Esa faceta analítica quedó patente en 2018, cuando recibió el Premio Princesa de Asturias de las Artes en Oviedo. El jurado reconoció su «trascendencia de labor creadora» y su dirección de una veintena de obras que ya son historia, como El aviador (2004), El infiltrado (2006), Shutter Island (2010) o El lobo de Wall Street (2013).
Durante un discurso de ocho minutos, el cineasta reclamó el valor del cine en una era de avances tecnológicos vertiginosos. “Acepto este premio en nombre del cine y con gran agradecimiento y gratitud hacia todos los artistas que me precedieron e hicieron posible el trabajo que yo he hecho. Porque no hay ni una sola película ni un solo cineasta que existan de forma aislada”, comenzó, tras agradecer “pisar la tierra que nos dio a Cervantes, Goya, Unamuno, Picasso, Lorca y Luis Buñuel, uno de los más grandes artistas de la historia del cine”.
Con estas palabras, Scorsese confesó su inquietud: “Estoy preocupado. Preocupado por el pasado del cine, sí, y muy preocupado por su futuro —por la forma en que la sobreabundancia de imágenes y las nuevas formas de consumo estaban cambiando la relación del público con las películas”. El problema, explicó, no era el mayor acceso, sino que este terminara diluido hasta convertirse en un producto más.
Cine en la era del “contenido”
“Dondequiera que mires hoy en día, las 24 horas del día, las imágenes en movimiento inundan nuestras vidas. Sé que el cine en sí está compuesto de imágenes en movimiento, pero ahora el cine se ha convertido en solo una corriente dentro de un enorme torrente de imágenes en movimiento: los anuncios, los episodios de una serie de TV, un video de gatos o perros, videos didácticos, los reality shows, Lawrence de Arabia, reportajes y así sucesivamente”, señaló. Luego lanzó su crítica más dura: “Todo se ha convertido en lo que llaman ahora ‘contenido’, una palabra que realmente no me gusta. Y el debate serio sobre el cine, el juicio crítico –particularmente en mi país– se ha cortado de raíz”.
Esa confusión, dijo, no solo altera la forma de ver películas, sino también la manera de valorarlas. “Ahora que el cine se está devaluando continuamente, y al mismo tiempo la tecnología permite que cualquiera ‘haga una película’, ¿qué supone eso para los jóvenes?”, se preguntó. Su temor era que las nuevas generaciones tomaran como referencia únicamente “lo comercial” y perdieran el vínculo con una tradición cinematográfica que, según él, debería ser fuente de inspiración.
“Podemos encontrar la manera de conquistar nuestra propia tecnología para que los artistas puedan usarla en lugar de al contrario, donde la tecnología utiliza al artista”, defendió. Por ello, cerró su intervención reivindicando la libertad de los artistas para encontrar su propio camino, sin dejarse arrastrar por “consignas”, “ganchos comerciales”, sistemas de calificación o modas pasajeras.
Fuente: Infobae