El reconocido cineasta Alejandro G. Iñárritu declaró hace unos días, previo al lanzamiento de su más reciente obra Digger, que “hemos confundido, desde mi punto de vista, la realidad con la verdad”.
Esta producción se presenta como una sátira turbulenta que aborda el cambio climático, los poderes corporativos y la propaganda. Tom Cruise interpreta a un magnate petrolero impenitente y desmesurado. Digger no brinda respuestas simples; por el contrario, se trata de una apuesta conceptual y estilística que, mediante un giro narrativo, sitúa la acción en un punto intermedio entre la verdad y la realidad.
La actuación es deliberadamente estridente. Iñárritu explicó: “Todo es para llamar la atención, conseguir ‘me gusta’, incomodar, molestar: la cultura en la que vivimos”.
Hasta el momento, las reseñas han sido en su mayoría negativas y la recaudación inicial resultó desastrosa. Sin embargo, el director se siente a gusto con la polarización generada. En una entrevista reciente afirmó: “Prefiero eso a una recepción tibia”.
El guionista y director, nacido en México y de 63 años, concibió la idea de Digger tras filmar el drama invernal ganador del Oscar, El renacido, en 2015. El proyecto ha estado en desarrollo desde 2017, con la colaboración de cuatro coguionistas y atravesando diversos vaivenes industriales. Iñárritu confesó: “Tres veces la película se vino abajo; perdí tres años de mi vida”.
El cineasta sostuvo que volvió al proyecto porque este refleja una urgencia del mundo actual. “La película no es perfecta”, reconoció, pero agregó: “me gusta correr riesgos”.
En la conversación, también abordó la exploración de locaciones en el Ártico, las razones para optar por una metanarrativa y el aporte de Cruise, quien exigió que Iñárritu le leyera el guion en voz alta antes de comprometerse.
Iñárritu comentó sobre el actor: “Me dejó atónito la presencia que tenía”. Lo calificó como “un artesano de las palabras”, cualidad que se hace evidente en una extensa escena de monólogo. “Había 300 extras, y todos quedaron completamente absorbidos por su interpretación”, agregó.
A continuación, fragmentos editados de ese diálogo.
—¿Cuál fue la chispa para esta película?
“Al final de El renacido, estábamos buscando desesperadamente algunas locaciones que se suponía que tenían condiciones [nevadas]. Terminamos en Ushuaia [en Argentina, la ciudad más austral del mundo] en verano, persiguiendo hielo. Porque perdimos el hielo en esas locaciones, algo que nunca había sucedido en la historia de la región. Así que ese fue el punto de partida: esta idea de los cambios que estaban ocurriendo, y de que lo que nos dicen al respecto no necesariamente proyecta la realidad. Incluso cuando nuestros cuerpos lo están sintiendo, se siembra la confusión. Entonces se trata de manipulación. Así es más o menos como han operado los gobiernos totalitarios desde el principio de los tiempos: no creas lo que ven tus propios ojos. Se trata de la codicia y el poder y la irresponsabilidad y la responsabilidad, y de cómo quienquiera que controlara la narrativa [dictaba] cuál debía ser la realidad, no cuál es. Originalmente, este guion se llamaba Bla, bla, bla. Conceptualmente, la película trataba sobre el arma más peligrosa que tenemos los seres humanos: este pequeño órgano llamado lengua. El lenguaje puede ser un puente hacia la realidad, pero también puede ser un arma para destruirla. Pensamos que un personaje que abrazara eso deliberadamente podría ser interesante: muy humano, muy absurdo, al mismo tiempo aterrador y, ojalá, divertido.”
—¿Cómo evolucionó la sátira?
“Los primeros borradores eran muy diferentes. Abordaba las escenas de desastre en escenarios reales, locaciones reales. Era muy, muy caro: fui [a explorar locaciones] al Ártico dos veces con científicos. Y el guion no estaba listo. Estábamos estirando nuestra imaginación para lograr la sátira y el comentario. Pero mientras explorábamos, la ficción básicamente era perseguida por la realidad, y la realidad a veces incluso la superaba. Porque las cosas que imaginamos hace nueve años comenzaron a ocurrir. En ese momento, no había plataformas de hielo desprendiéndose. Y de repente sucedió. Groenlandia no estaba en la conversación; el metano no formaba parte del lenguaje habitual de los medios. Ahora, el metano es uno de los mayores monstruos de todos los tiempos. Llegó la pandemia. Cuando estábamos filmando, con los incendios en Los Ángeles, casi pierdo mi casa. Todos estábamos lidiando con varios acontecimientos; ha sido muy aterrador. Así que pensamos: un momento, ya no hay más margen para estirar. Ya no había espacio para la sátira. Así que el tono no es una sátira. La sensación era casi como escribir un documental sobre el futuro.”
—¿Tuvo pesadillas sobre adónde lo llevaría esta película?
“Sí. [El cambio climático y el estado del mundo] es algo tan grande y tan complejo. Es incómodo; nos paraliza. Para bien o para mal, mi única manera de ver esto era ponerlo en el centro [de la película], y que estas personas [los personajes] cuestionaran cómo abordar esto. En el teatro, podemos entendernos a nosotros mismos, hacer el espejo. Esa es una tradición en América Latina, desde Quijote hasta [Ernesto] Sabato. También es teatro brechtiano, cuestionar y provocar preguntas. Que tenga éxito o no depende de lo que la gente vea o perciba, pero ese fue al menos mi intento de abrir el proceso. Porque todos estamos juntos en esta obra.”
—¿Le preocupa que la gente no la entienda?
“Creo que definitivamente es una película poco común. Es una película provocadora. Ese es el papel de una película para mí: empecemos la conversación. Mi gusto personal son las películas que intentan decirme algo de una manera diferente. Hay personas que quieren más certeza en la narración, y eso también está bien. Esto no es como un helado. Así que sí, esperábamos eso, para ser sinceros.”
—Tom ha dicho que ha sido admirador de su trabajo durante mucho tiempo. ¿Cómo se conocieron por primera vez?
“Fue muy generoso cuando hice mi primera película, Amores Perros [2001]. La estaba proyectando y la gente decía: Tom Cruise está promocionando tu película. Yo dije: guau. Pero nunca nos conocimos hasta 2011. Fue súper amable, y conocía cada corte y ángulo de cada toma de mis películas, más que yo. En Birdman, jugó con la historia de Michael Keaton como Batman: lo persigue una figura enmascarada y alada. Al elegir a Tom para este papel, ¿está pensando en lo que el público podría aportar a su comprensión de él? Necesitaba a alguien a quien no puedas dejar de mirar. Y creo que él tiene ese poder. Es el antihéroe. Lo llamo una catástrofe adorable porque, incluso cuando hace cosas despreciables, es difícil dejar de mirarlo. Representa un arquetipo de la humanidad. Representa que el poder es algo a lo que te vuelves adicto, y tiene tanto miedo de perder el poder que el [afán de] lucro será el problema de todos nosotros. Así es como creo que está funcionando el mundo ahora.”
—La película recuerda a otras historias distópicas como Brazil y Dr. Strangelove. ¿Cuáles fueron sus referencias?
“Estábamos tratando de encontrar el tono, lo cual fue muy difícil. En los ensayos, muestro His Girl Friday, con Cary Grant hablando como loco. Me fascinaba cómo realmente manejaba el diálogo a ritmo acelerado, que es muy musical. Así que, para que [el elenco] entendiera que la velocidad no significa que tengas que perder el subtexto o el poder de la palabra. Pero es algo que necesitas practicar. Visualmente, hay un pintor [danés], Vilhelm Hammershoi: todas las paletas que usaba están tan desaturadas, solo esos poquísimos elementos de color que realmente crean una especie de cosa onírica.”
—Esta película tiene una visión del mundo bastante oscura. ¿Representa su propia perspectiva? ¿Es optimista?
“Esta película es una película de desastres, pero el desastre somos nosotros. El mundo es tan hermoso y tan increíble. Hay tantos recursos, y el equilibrio del ecosistema es sencillamente increíblemente hermoso. Si podemos reunirnos en la misma habitación, en la misma realidad, y entender dónde estamos en la narrativa, creo que hay esperanza.”
Fuente: Infobae