Un 10 de septiembre de 1963, la entrada más codiciada en la Gran Manzana era para la premiere del primer Festival de Cine de Nueva York. Esa noche, cerca de 2.300 personas colmaron una sala del Lincoln Center para disfrutar de El ángel exterminador, del cineasta español Luis Buñuel, una de las 22 películas que conformaban la selección oficial. En aquella época, antes de que existiera el video casero, una cinta extranjera podía tardar años en llegar a las pantallas estadounidenses, y los cinéfilos más osados estaban ansiosos por verlas.
Aquel año, el gran filme de Hollywood era Cleopatra, una pomposa y costosa epopeya protagonizada por una Elizabeth Taylor cubierta de joyas. Fue un taquillazo, pero también llevó a la 20th Century Fox al borde de la quiebra, hasta el punto de que su propio productor calificó el proyecto de “una locura” y los analistas se preguntaban si la industria hollywoodense podría sobrevivir si continuaba por ese derrotero irracional.
Los programadores del Festival de Cine de Nueva York sabían que el cine era mucho más que el boato de los grandes estudios: sus miras eran más amplias, más extravagantes y estéticamente más ambiciosas. Más de seis décadas después, la industria sigue sumida en la turbulencia, mientras el festival se mantiene más fuerte y más inteligente que nunca, habiendo capeado tormentas de Hollywood, crisis financieras, un público voluble, cambios de dirección y, por supuesto, la pandemia.
Existen festivales más grandes y rimbombantes, pero lo que ofrece el evento neoyorquino es el cine en toda su espléndida diversidad. Hay ficción y documentales de prácticamente todos los rincones del planeta (incluso de Hollywood), con una programación internacional que reúne 74 largometrajes y numerosos cortos. Como es costumbre, los programadores han seleccionado obras de citas previas como Cannes, pero la edición de este año incluye también estrenos mundiales de Paul Thomas Anderson, Ava DuVernay, Tony Gilroy y Luca Guadagnino. Y hasta una nueva cinta de Godzilla. El festival tiene variedad y garra.
Este año, los grandes estudios se han mostrado reacios a proyectar sus películas en festivales, pero se ha hecho una excepción con Behemoth, de Gilroy. Se trata de un estudio de personajes puntillista sobre un violonchelista interpretado con enorme emotividad por Pedro Pascal (con un impresionante manejo del arco). La cinta la estrena Searchlight Pictures, una división de Disney heredada del antiguo estudio Fox. Es una alegría ver a Gilroy, autor de películas como Michael Clayton y showrunner de Andor, volver a dirigir para la gran pantalla. Espero que siga en esto.
El festival siempre ha dado cabida a documentales, incluso en la programación principal, otorgando a la no ficción un protagonismo del que no siempre goza en eventos similares. (El documental sobre el concierto de Anderson, Cameron Winter at Carnegie Hall, no estaba disponible al cierre de esta edición.) Y 14th es la exploración políticamente urgente que hace DuVernay de la enmienda constitucional homónima, que garantiza la ciudadanía por nacimiento, y una sólida obra complementaria a 13th, su documental de 2016 sobre esa enmienda. Junto con un amplio elenco de expertos apasionados y cautivadores (Eric Foner, Sherrilyn Ifill, David W. Blight), DuVernay traza una línea directa entre el mito de la “Causa Perdida”, el 6 de enero y las repetidas afirmaciones del presidente Trump de que no perdió las elecciones presidenciales de 2020.
El impactante documental NAZA es una obra dura pero imprescindible. Es la última creación de Yuval Abraham y Rachel Szor, dos israelíes que, junto con dos colegas palestinos, dirigieron en 2025 el documental No Other Land, sobre el conflicto israelo-palestino en su conjunto. En esta ocasión, Abraham y Szor se centran en las acciones del ejército israelí tras los ataques perpetrados por Hamás el 7 de octubre. Las revelaciones de la película son similares a las informaciones publicadas en The Guardian y otros medios, y se basan en entrevistas nocturnas realizadas en una azotea de Tel Aviv a oficiales de inteligencia y soldados israelíes anónimos. Con detalles escalofriantes y algún que otro dibujo, los entrevistados describen los métodos secretos usados en el bombardeo de Gaza, secciones que los cineastas intercalan con imágenes frías y distantes, casi de vigilancia, de la ciudad y de sus habitantes en su vida cotidiana.
Tanto NAZA como el documental estadounidense Once Upon a Time in Harlem se estrenarán próximamente en los cines. Harlem es una auténtica delicia y un triunfo de la perseverancia heroica. En 1972, el gran director afroamericano William Greaves (Symbiopsychotaxiplasm: Take One) reunió a un grupo de veteranos del Renacimiento de Harlem para celebrar una fiesta en la casa adosada de Duke Ellington. Con las cámaras en marcha, el ingenio a flor de piel y el alcohol fluyendo, estos hombres y mujeres —con profundidad, alegría contagiosa y algunas discusiones animadas— hicieron que el pasado cobrara vida en el presente. Greaves, que falleció en 2014, no tuvo la oportunidad de completar el proyecto. Esa tarea recayó en su hijo, el cineasta David Greaves, quien ha realizado una película que rinde homenaje al director original y a sus protagonistas.
La gente no deja de preguntarme si he visto You Can See Everything, el documental de Nathan Fielder y Lance Oppenheim sobre la empresaria de Silicon Valley caída en desgracia Elizabeth Holmes. Lo he visto, y es alucinante. También es una investigación aguda y autorreflexiva sobre la seducción de la fama, la naturaleza de la verdad y las complejidades del propio cine documental. Holmes, fundadora de la start-up de análisis de sangre Theranos, fue condenada por fraude en 2022 y enviada a prisión. Los cineastas comenzaron a rodar el documental antes de que Holmes estuviera entre rejas y tuvieron un acceso extraordinario. A lo largo de tres horas apasionantes —con Fielder en pantalla actuando como interlocutor a la vez cauteloso y comprensivo—, los cineastas buscan insistentemente respuestas en un abismo de significado.
Suena desolador, pero, aunque You Can See Everything pueda dejarte pálido, a menudo también resulta sorprendentemente divertida, una cualidad muy de agradecer que comparte con la película de ficción de Guadagnino, Artificial. Escrita por Simon Rich, narra la trayectoria meteórica de Ilya Sutskever (Yura Borisov), un informático nacido en la Unión Soviética que, tras estudiar redes neuronales artificiales con el futuro ganador del Premio Nobel Geoffrey Hinton (Mark Rylance), conoce a un excéntrico emprendedor llamado Sam Altman (un sensacional Andrew Garfield). Junto con otros personajes ambiciosos —la astuta y cómica interpretación de Ike Barinholtz como Elon Musk es otro de los puntos destacados—, Ilya y Sam fundan OpenAI, atraviesan diversas crisis (financieras, éticas), están a punto de fracasar estrepitosamente y dan un vuelco a la realidad.
Al igual que otras películas recientes sobre el mundo tecnológico, Artificial y You Can See Everything subrayan que, entre otras cosas, Silicon Valley aprendió algunas lecciones cruciales de Hollywood, incluido el atractivo —para inversores, trabajadores, periodistas y público— de las historias de éxito simplistas y fácilmente comercializables. A veces, la historia tiene tintes de remake barato (Holmes le gustaba llevar jerseys de cuello alto negros, al estilo de Steve Jobs) y un final con giro inesperado. En ocasiones, el talento original puede ser sustituido, como ocurrió cuando Sutskever ayudó a echar a Altman de OpenAI. (¡Altman se recuperó!) Y mientras Hollywood sigue funcionando a base de vapores, la “fábrica de sueños” de la tecnología no da señales de ralentizarse.
Sin embargo, hay una gran variedad de historias más, y el festival ha seleccionado algunas para cada tipo de espectador comprometido que se pueda imaginar. Entre otras de las mejores selecciones de este año se encuentra Rose, de Markus Schleinzer, una película visualmente impactante y discretamente conmovedora, protagonizada por Sandra Hüller en el papel de una mujer del siglo XVII que se hace pasar por un hombre, abandona el campo de batalla como soldado y se adentra en una vida sorprendente y llena de acontecimientos como granjera. La actriz también protagoniza otro drama en blanco y negro de magnífica fotografía, Fatherland, de Paweł Pawlikowski, sobre un viaje cargado de tensiones psicológicas y políticas que el escritor Thomas Mann realizó con su hija Erika en la Alemania de la posguerra. Y no te pierdas The Dreamed Adventure, de Valeska Grisebach, sobre una arqueóloga (una fantástica Yana Radeva) que, mientras supervisa una excavación en Bulgaria, se topa con un enredo de complicaciones.
Todas estas son razones para estar agradecidos al Festival y a su equipo de programadores, liderado por el director artístico Dennis Lim. Juntos, contribuyen a mantener viva la cultura cinematográfica de la ciudad, en parte atrayendo a un público más joven: el año pasado, el 59% de los asistentes tenía entre 21 y 44 años. Durante demasiado tiempo, una de las críticas más absurdas sobre este evento era que resultaba anticuado, lo cual solo era cierto porque el festival nunca se ha ajustado a ideas sin sentido sobre lo que son las películas. Esa es la misma razón por la que se le ha acusado de elitismo, una acusación ridícula, ya que, por supuesto, este evento comisariado por el Lincoln Center es un acto elitista. Hoy en día, sin embargo, sobre todo dada la mediocridad que inunda las plataformas de streaming, un poco de elitismo —o como quieras llamarlo: sensibilidad, amor por el arte, intuición por el medio, buen gusto— no solo resulta atractivo, sino que es esencial.
El Festival de Cine de Nueva York se celebra hasta el 12 de octubre. Para más información, visita filmlinc.org.
Fuente: Infobae