El Museo Lucas de Arte Narrativo, el ambicioso proyecto personal del creador de Star Wars, no pide disculpas por su aspecto de nave espacial. Cofundado por George Lucas y su esposa Mellody Hobson, esta estructura biomórfica diseñada por el estudio MAD del arquitecto Ma Yansong alberga la ecléctica colección de arte figurativo de Lucas. El museo abrió sus puertas esta semana y, según reportes, costó alrededor de 1.000 millones de dólares. Con más de 27.870 m² y una mezcla vertiginosa de reliquias antiguas, reproducciones, pinturas renacentistas y barrocas, además de basura de lujo, la cifra parece creíble.
La estructura curvilínea, revestida de baldosas de polímero blanco, emerge del suelo como dos setas espaciales interconectadas, elevándose sobre un parque de 5,26 hectáreas. Tiene una sensación lúdica y siniestra a la vez, como si fuera a vomitar extraterrestres. En el mundo del arte, probablemente inspirará condescendencia e inquietud. Tras pasar varias horas allí, la conclusión es clara: George Lucas ha llevado la historia del museo de arte occidental a su inevitable conclusión. La democratización del arte ha producido algo absurdo, gigantesco, magnífico, caótico y enloquecedor. Una guardia de la galería, en su segundo día de trabajo, comentó:
“Nunca había estado en un museo de arte. Me encanta”.
Lucas afirma que el museo “se creó para rendir homenaje a las historias de la humanidad y a los artistas que las ilustran”. El conservador jefe, Ryan Linkof, añadió:
“Creo que el término ‘ilustra’ es realmente importante para nosotros”.
No contar historias, sino ilustrarlas. La historia es lo primero; el arte está al servicio de ella.
Esa distinción disuelve las fronteras entre ilustración y arte. Durante siglos, los grandes artistas eran admirados por su invención y fidelidad a la naturaleza; en el siglo XX, primó el formalismo y los giros conceptuales. Ahora, Lucas plantea un nuevo criterio: el buen arte deja claras las narrativas primigenias de la vida, a menudo preexistentes. Es una definición útil para un cineasta que depende de ilustradores para materializar sus historias.
El “arte narrativo” es una categoría amplia y amorfa. Hay galerías dedicadas al cómic, manga, ciencia ficción y fantasía. Los conejos de Beatrix Potter y los monstruos de Maurice Sendak conviven con obras de Andy Warhol y Frida Kahlo. Retratos de mujeres prerrafaelitas se codean con mujeres en tangas mínimas luchando contra aves rapaces en planetas lejanos.
La primacía de la ilustración deja en segundo plano el contenido moral, ético y cultural. Lo importante no es el mensaje, sino la calidad de la ejecución. Las galerías sobre vida familiar, infancia y comunidad están dominadas por ilustradores de revistas y libros de cuentos de principios y mediados del siglo XX. Excepto contadas excepciones, es un mundo patriarcal, heteronormativo y misógino, con personas blancas, rubias y acomodadas. Los niños sueñan con caballos y armaduras; las niñas hacen tartas y muñecas de papel. El arte narrativo parece desconectado de la historia, lo que resulta exasperante y desconcertante.
La directora general, Tracey Bates, explica que las etiquetas murales son escuetas, como “lápidas”: solo destacan el nombre del artista, la fecha y la técnica. “Es algo muy deliberado”, dice, porque el arte debe ser una experiencia autónoma, una historia “en un solo cuadro” y no una lección de historia. Este museo está comprometido con la tesis antiintelectual de que el arte se siente y experimenta, no se piensa. Separar el arte de la historia y el contexto menosprecia el poder del artista y privilegia solo el dibujo. Así, cualquier intento de distinguir entre buen y mal arte carece de sentido. Lucas probablemente estaría de acuerdo.
El museo quiere deshacerse de las viejas jerarquías y categorías, coleccionando solo lo mejor de su nueva categoría: el arte narrativo, que parece ser todo lo que a Lucas le resulte cinematográfico. Esto exige reconsiderar obras pasadas por alto. N. C. Wyeth, patriarca de los Wyeth, fue un excelente artista que produjo pinturas serias y también obras exageradas de libros de cuentos. Norman Rockwell ayudó a que la conciencia estadounidense se viera a sí misma durante la lucha por los derechos civiles, pintando niños rubios y niñas de mejillas sonrosadas. La dosis recomendada de Maxfield Parrish es baja, pero su neblina psicodélica de dorados y morados es cautivadora.
El arte figurativo fue acosado en el siglo XX por críticos comprometidos con la abstracción. Ver que artistas resistentes al yugo ideológico reciben respeto es gratificante. La galería del cómic podría ser un museo en sí. Emociona ver un original anotado de Pogo de Walt Kelly con la frase “Hemos encontrado al enemigo y somos nosotros mismos”, y una viñeta de 1908 de Little Nemo in Slumberland de Winsor McCay.
Afortunadamente, el museo refleja más al Lucas coleccionista voraz que al defensor dogmático. Hay retratos abundantes, aunque no tengan conexión con narrativas obvias. En las galerías de fotografía se incluyen copias de Migrant Mother de Dorothea Lange y el retrato de Sharbat Gula por Steve McCurry, la famosa Afghan Girl de National Geographic. Hay historias sobre esas personas, pero ninguna inherente a las imágenes.
Sin embargo, son famosas. Lucas no solo quiere un museo exhaustivo de imágenes que ilustren historias, sino poseer tantos iconos del arte figurativo como sea posible. Puede ser el demiurgo multimillonario de Star Wars, pero como coleccionista actúa como la Mega Maid de la parodia Spaceballs de Mel Brooks, que aspira planetas.
Es inevitable que alguien tan ensalzado se sienta atraído por obras de arte que son celebridades de la cultura visual. Su fortuna le permitió reunir un panteón de imágenes dispares pero reconocibles, casi garantizando el éxito del museo. Cuenta con dibujos originales de La Gran Muralla de Los Ángeles de Judy Baca y fragmentos arquitectónicos con obras de Banksy. Los devotos de subculturas como el western, portadas pulp o la parafernalia de Star Wars encontrarán piezas importantes.
Pero si crees que el arte debe ser más que deleitar la vista, saldrás escéptico. Hay unas 1.300 obras expuestas y la sensiblería, los clichés, la repetición y la ambición limitada de muchos artistas resultan abrumadores.
Esa impaciencia lleva a preguntar: ¿las historias en sí no importan? Muchos artistas competentes dedicaron su carrera a la propaganda política, y Lucas recopiló ejemplos: temas patrióticos y arte de protesta de izquierda. Pero según su definición, ¿qué impediría incluir imaginería nazi de “niños, cocina e iglesia”? Las galerías de “Vida cotidiana” y “Vida cívica” están repletas de obras estadounidenses difíciles de distinguir de las escenas costumbristas de la Alemania de los años treinta.
El museo ofrece una segunda oportunidad a artistas de talento como Stevan Dohanos y John Philip Falter, colaboradores del Saturday Evening Post. Su obra reforzaba el conformismo estadounidense de mediados de siglo, pero a veces mostraba destellos de subversión.
Si el edificio, que parece una nave espacial gigante, despegara hacia otra galaxia, los extraterrestres se llevarían una idea confusa del arte narrativo. Lucas es admirador de Joseph Campbell (cuyos libros están en la tienda de regalos), especialmente de las estructuras míticas transculturales. Pero lo interesante de las obras es su singularidad y los detalles sociológicos e históricos que el museo se niega a explicar en sus fichas.
Los extraterrestres podrían admirar las obras y concluir que el arte narrativo era una herramienta para algo, pero ¿para qué? Probablemente concluirían que el planeta estaba ahogándose en historias. No necesitamos más historias; necesitamos mejores historias. Menos entretenimiento y más disrupción. Cualquier cosa puede ser arte, pero el arte debe elevarse. El placer del museo no es reconocer lo conocido, sino descubrir lo nuevo.
Lo que Lucas llama “arte narrativo” es mayormente una reorganización de lo familiar y reconfortante. Por eso el museo será popular y exitoso, y supondrá un reto intelectual para museos con ambiciones más sustanciales.
Fuente: Infobae