Yayoi Kusama, la artista japonesa que revolucionó el arte contemporáneo con sus pinturas de lunares, esculturas fálicas y las célebres Habitaciones infinitas, falleció el 14 de agosto en Tokio a los 97 años. La noticia fue confirmada por el Museo Yayoi Kusama y la Fundación Yayoi Kusama mediante un comunicado divulgado el jueves, donde se indicó que su muerte ocurrió en un hospital.
Los inicios de una pionera
Kusama comenzó a destacar a finales de la década de 1950 y principios de los 60 con sus enormes pinturas abstractas bautizadas como Redes infinitas. Estas obras, compuestas por miles de pinceladas curvas y diminutas de blanco sobre superficies blancas o negras, simulaban mallas gigantescas y arremolinadas perforadas con diminutos agujeros. Su escala superaba con creces a las obras del expresionismo abstracto que dominaban las galerías neoyorquinas, lo que atrajo rápidamente la atención de jóvenes artistas en busca de nuevos rumbos para el arte estadounidense. Uno de ellos fue Donald Judd, entonces crítico de arte y futuro referente del minimalismo, quien compró una de sus piezas, comenzó a defender su trabajo y la asistió en su estudio.
La creación artística mediante componentes repetidos se convirtió en su método fijo, aplicándolo también a la escultura. A inicios de los 60, Kusama empezó a coser miles de falos de tela rellenos, pintados de blanco o dorado, y los adhería a objetos cotidianos como mesas, sillones, abrigos, zapatos, un cochecito de bebé o un bote de remos, generando instalaciones erizadas. Estas esculturas de Acumulación debutaron en 1962 en la Green Gallery, junto a obras de Claes Oldenburg, James Rosenquist y Andy Warhol, en una de las primeras exhibiciones de arte pop. Con ello, Kusama se consolidó como pionera de dos movimientos de vanguardia: el pop y el minimalismo.
Arte como terapia frente al miedo
Aunque su obra solía interpretarse como abiertamente erótica, el efecto deseado era el contrario. En su autobiografía de 2002, Kusama explicó que los órganos sexuales le resultaban amenazantes, una sensación que vinculaba a experiencias de su infancia. Sin embargo, se fotografiaba con frecuencia semidesnuda o desnuda sobre campos de formas túmidas.
«Al reproducir continuamente las formas de las cosas que me aterrorizan, soy capaz de reprimir el miedo», escribió.
Nacida el 22 de marzo de 1929 en el seno de una familia acomodada de Matsumoto, al noroeste de Tokio, Kusama era la menor de cuatro hermanos. Sus padres, Kamon y Shigeru Kusama, supervisaban el negocio mayorista de semillas familiar. Desde la adolescencia decidió ser artista profesional, una elección poco común para una mujer en el Japón conservador de la posguerra. En 1948, pese a las objeciones paternas, ingresó a una escuela de arte en Kioto para estudiar pintura Nihonga, un estilo que fusionaba tradiciones japonesas y occidentales. Pronto abandonó la disciplina académica y el nacionalismo asociado a esa corriente, produciendo cientos de pinturas semiabstractas que combinaban formas florales, astronómicas y sexuales con campos de lunares y líneas puntiagudas.
Con el tiempo, afirmó que esas imágenes reflejaban alucinaciones abrumadoras que la habían perseguido desde niña.
«Persigo el arte con el fin de corregir la discapacidad que comenzó en mi infancia», dijo.
El salto a Nueva York y los performances provocadores
Kusama comenzó a exponer y llamar la atención desde la adolescencia. En 1955, tres de sus pinturas fueron enviadas a Nueva York para una exposición internacional de acuarelas en el Museo de Brooklyn. Poco después, decidió mudarse a Estados Unidos. Necesitaba consejos para establecerse en ese mercado, así que le escribió a Georgia O’Keeffe —la única artista estadounidense que conocía— tras localizar su dirección en Nuevo México a través de la embajada estadounidense. O’Keeffe le respondió con ánimos, y en 1957 Kusama voló a Seattle, donde residió unos seis meses antes de trasladarse a Nueva York.
Desde allí, su presencia personal se volvió parte esencial de su arte. Consciente de que, como mujer asiática, proyectaba una imagen de forastera exótica, explotó ese perfil con un orientalismo calibrado en los performances públicos que desarrolló entre mediados y finales de los 60, alineándose con la cultura hippie. En una serie de happenings antiautoritarios y contra la Guerra de Vietnam iniciados en 1966, Kusama lideraba grupos de voluntarios que se desnudaban en lugares emblemáticos de Nueva York —Wall Street, la Estatua de la Libertad, el jardín de esculturas del Museo de Arte Moderno— mientras ella pintaba sus cuerpos con lunares, a los que atribuía propiedades mágicas.
«Con esos lunares, las personas se autodestruirán y regresarán a la naturaleza del universo», dijo.
Ella misma permanecía completamente vestida con trajes cubiertos de lunares.
Estos eventos, llamados Festivales Corporales y Explosiones Anatómicas, tenían un propósito pragmático: la exhibición de carne desnuda captaba la atención pública, y si llegaba la policía, mejor. El escándalo impulsaba sus actividades extraartísticas, como una tienda itinerante en Bloomingdale’s llamada Kusama’s Korner y un bar gay denominado Kusama’s Omophile Klub.
Regreso a Japón y resurgimiento
El éxito de aquellos años fue efímero. Cuando la década de los 60 dio paso a los 70, sus espectáculos comenzaron a percibirse como anticuados. Al sentir que los estadounidenses habían perdido interés, regresó a Japón en 1973. En Tokio, para mantenerse, vendió arte moderno y contemporáneo occidental hasta que la crisis del petróleo de mediados de los 70 frenó el auge económico japonés y la obligó a buscar otros ingresos. Empezó a hacer collages inspirados en Joseph Cornell, con quien había mantenido una relación intensa pero platónica. También incursionó en la ficción, publicando más de una decena de novelas —como Manhattan Suicide Addict, de carácter autobiográfico— y varios volúmenes de poesía.
Sin embargo, los ataques de pánico y las alucinaciones se agravaron. En 1977, se internó voluntariamente en el hospital psiquiátrico Seiwa de Tokio, que se convirtió en su hogar permanente, y construyó un estudio cercano. Allí, con la seguridad emocional del entorno, continuó trabajando a gran volumen: pinturas de colores brillantes con patrones que evocaban redes capilares o enjambres de espermatozoides, y otras que recordaban su obra surrealista de los 50.
A finales de los 90 y principios de los 2000, Kusama retomó las instalaciones envolventes después de tres décadas: habitaciones cubiertas de lunares y las Habitaciones infinitas de espejos reflectantes. Su persistencia por convertir su nombre y su arte en una marca internacional dio frutos. En el siglo XXI, cuando el arte contemporáneo y la cultura popular japonesa ganaron atención mundial, el interés por su obra se disparó, al igual que los precios. Ella misma denominó a este fenómeno «Kusamanía».
En 2014, una de sus pinturas de la serie Redes infinitas de 1960 se vendió por 7,1 millones de dólares en Christie’s, convirtiéndose en la obra más cara de una artista mujer viva subastada. Estaba representada por la galería David Zwirner de Nueva York.
Estrella pop y controversias
En años recientes, Kusama firmó lucrativos acuerdos para promocionar productos comerciales, desde cosméticos hasta automóviles. Con su vestuario estampado de lunares y sus pelucas fluorescentes de estilo pageboy, era una estrella pop reconocible al instante, invitada a exposiciones internacionales y con muestras propias, a menudo con obras nuevas producidas por un equipo de asistentes.
En 2017, la revista Vice publicó un artículo señalando comentarios racistas contra personas negras que Kusama había hecho en su autobiografía de 2002. En 2023, con motivo de una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, las acusaciones resurgieron y la artista se disculpó públicamente por dichos comentarios.
Las iteraciones de las poéticas Habitaciones infinitas —cámaras revestidas de espejos con luces LED titilantes— han sido un éxito taquillero para museos y galerías. Atraen multitudes que hacen fila durante horas para entrar de uno en uno durante 45 segundos, el tiempo justo para tomarse una selfi, un ejercicio de narcisismo estetizante que Kusama entendía y respaldaba.
Reconocimientos y legado
Japón tardó en valorarla, pero finalmente la homenajeó con exposiciones. Representó a su país natal en la Bienal de Venecia de 1993 (ya había aparecido en la edición de 1966 representándose a sí misma, con un quimono dorado y repartiendo recortes de sus reseñas). En 2006, recibió el Praemium Imperiale de pintura, un premio internacional patrocinado por la familia imperial japonesa. No se dispuso de inmediato de información sobre sus sobrevivientes.
La obra de Kusama ha sido vista críticamente a través de la lente de la biografía y la patología psiquiátrica, algo que ella misma fomentaba. Sin embargo, esa tendencia ha desviado la atención de su destreza formal y su inventiva pictórica, especialmente en sus inicios, cuando fue casi universalmente apreciada por los críticos neoyorquinos. También ha sido poco reconocido su ingenio autoconsciente.
«Que venga Picasso, que venga Matisse. ¡Que venga quien sea! Me les plantaría a todos ellos con un solo lunar. Así era como lo veía. Estaba apostando todo a esto y alzando mi estandarte revolucionario contra toda la historia», escribió en su autobiografía.
Fuente: Infobae