«Un Color se alza fuera sobre Campos Solitarios del que la Ciencia no puede capturar pero la Naturaleza Humana siente»
Este verso de la poeta estadounidense Emily Dickinson anticipa el asombro que la primavera ha provocado en los artistas a lo largo de la historia. A continuación, un recorrido por las obras que transformaron esta estación en una musa inagotable de la pintura.
El viaje comienza con la pieza más célebre sobre el tema: La primavera, de Sandro Botticelli. Realizada entre finales de la década de 1470 y comienzos de 1480, esta alegoría sitúa a la estación en un naranjal en flor, poblado por figuras de la mitología clásica como las Tres Gracias, Cupido y una figura femenina central que da nombre a la obra.
En el extremo derecho aparece Céfiro, personificación masculina del viento de marzo, que persigue a la ninfa Cloris, de cuya boca ya brotan flores. Botticelli superpuso a Flora, diosa de la primavera, sobre la joven: viste un traje y una corona de flores mientras las esparce por el suelo.
En la serie Las cuatro estaciones de Giuseppe Arcimboldo (1526-1593), producida entre 1563 y 1573, el pintor milanés convirtió cada estación en un retrato de perfil compuesto por elementos vegetales. De ese conjunto solo sobrevivieron las pinturas originales de invierno y verano, mientras que la primavera se conserva dentro de una serie copiada que fue enviada a Felipe II de España.
En esa versión, la figura femenina de Primavera quedó formada por pétalos y capullos de rosas para la piel, lavanda en las cejas, bayas de belladona en los ojos y un ramo como cabello. Las hojas de fresa, las de lechuga y otros vegetales construyeron su vestimenta verde, en una imagen destinada a entretener a las cortes europeas.
En 1633, Pieter Brueghel el Joven tomó un dibujo inconcluso de su padre, Pieter Bruegel el Viejo, para su Primavera, vinculando la estación con las labores agrícolas. Así extendió la tradición de su progenitor, quien ya había realizado una serie sobre los meses, de la cual sobreviven cinco pinturas.
La escena integró a las personas dentro de un paisaje con ganado, árboles en flor y un río sinuoso, enmarcado en la tradición de representar los meses a partir de ilustraciones calendáricas de manuscritos medievales.
La veneciana Rosalba Carriera realizó varias versiones de Primavera durante los primeros años del siglo XVIII, dentro de sus alegorías femeninas de las cuatro estaciones. Una de sus versiones de invierno también funcionó como autorretrato.
La piel blanca y tersa de sus figuras, los pliegues suaves de las telas y las flores respondieron a los ideales de belleza femenina de Europa occidental de su tiempo, donde la artista tuvo un papel central en la difusión del pastel.
Todo el mundo ha visto alguna vez El columpio, de Jean-Honoré Fragonard, en los libros de historia del arte. Esta obra de 1767 oscila entre lo bello y lo inquietante, presentando a una risueña mujer aristocrática con un vestido rosa de amplios volados, impulsada por un hombre que podría ser su esposo, mientras debajo de ella otro hombre la observa desde una posición oculta.
El cuadro formó parte de tres escenas que el pintor dedicó a mujeres sobre columpios. En ellas, la diversión cortesana sugirió cortejo e intimidad mediante situaciones de apariencia inocente.
También con un columpio como elemento, Pierre-Auguste Cot presentó su Primavera en el Salón de París de 1873, el mismo año en que la pintó, donde incorporó estos versos: “¡Oh primavera, juventud del año! ¡Oh juventud, primavera de la vida!”.
La obra revela a una pareja joven que se columpia con un gesto íntimo: el vestido de la mujer se mueve, aunque ambos cuerpos permanecen quietos. Durante los 150 años posteriores a su creación, la imagen circuló en impresiones, postales, tazas y otros formatos de reproducción.
Vincent van Gogh pintó Pesca en primavera en 1887, junto al Sena, en el Pont de Clichy, cerca de Asnières. La obra refleja su amistad y admiración por Paul Signac, con quien trabajó allí en varias ocasiones.
El neerlandés conoció en 1886 las obras puntillistas de Signac y Georges Seurat en la exposición de los impresionistas. Ese encuentro cambió para siempre su técnica y comenzó el camino hacia su postimpresionismo, que le daría celebridad póstuma.
Flora, de la prerrafaelita Evelyn De Morgan, se realizó en 1894 y tomó como referencia la Primavera de Botticelli. La obra construye a partir de la diosa de la primavera y de Florencia, quien aparece rodeada por vegetación, flores, aves y ropajes. De Morgan aplicó óleos de color sobre pan de oro, un método propio inspirado en retablos medievales de la ciudad.
De Morgan vivió en Florencia durante los inviernos desde 1890 y pintó la obra para William Imrie, un magnate escocés del transporte marítimo y propietario de White Star Line, famosa en la historia por el Titanic. El pergamino situado al pie de la pintura aludió a Escocia, ciudad natal de su mecenas.
Otro pintor británico, John William Waterhouse, también vinculado a los prerrafaelitas, realizó Una canción de primavera, en el que una mujer pelirroja —muy presente en este movimiento por su asociación con la pasión— surge con los pechos descubiertos, como evocación de la vitalidad y fertilidad, entre la naturaleza y los niños.
Jardín italiano, de Gustav Klimt (1913), es una pintura al óleo sobre lienzo vinculada al Art Nouveau. El paisaje reunió flores rosas, rojas y blancas entre el follaje verde, con un tratamiento centrado en las texturas y los patrones.
La pintura combina el detalle naturalista con una sensibilidad decorativa y convierte el paisaje en una exploración de los patrones y las superficies como formas de expresión artística. Se puede observar cómo el estilo que el austríaco utilizó para sus famosos retratos se desprende de la composición, casi arrastrándose en lo compositivo.
La composición está casi por completo cubierta de vegetación, con poco espacio vacío, lo que genera una sensación envolvente. En la esquina superior derecha apenas se distinguen elementos estructurales, posiblemente partes de un edificio o de una construcción de jardín, ocultos por el crecimiento vegetal. Las pinceladas tienen una textura dinámica y la disposición de las flores sugiere movimiento, como si una brisa recorriera el conjunto.
Finalmente, una obra argentina, en manos de José Malanca, quien abordó el tema en Las cuatro estaciones, una serie realizada en un mismo paisaje para registrar los cambios de luz y matices a lo largo del año.
Reconocido por su obra paisajística dentro del posimpresionismo, Malanca realizó esta serie cuando ya se había mudado de forma permanente a su quinta Huerta de los Álamos, a 15 kilómetros de Río Ceballos, luego de una carrera que lo había llevado por Europa para perfeccionarse, influenciado por la obra del italiano Giovanni Segantini, y con una constante participación en los salones nacionales.
Fuente: Infobae