Alex Da Corte, artista de 46 años conocido por su trabajo en video, performance e instalaciones, recibió una pregunta clave a principios de 2020: ¿Qué pensaba sobre Roy Lichtenstein? La curadora del Museo Whitney de Arte Estadounidense que la formuló no hablaba por casualidad. El museo buscaba a alguien para comisariar una retrospectiva de Lichtenstein, quien falleció en 1997. Aunque sus reproducciones pintadas a mano de cómics y anuncios de los años 50 y 60 están presentes en remeras, sellos y museos, la última gran muestra de Lichtenstein en Nueva York se había realizado hacía 33 años. La pregunta central era si el público actual comprendería lo oportuno y novedoso de su obra, y cuánto de su pensamiento perdura en la cultura contemporánea.
“Por supuesto, conocía la obra de Roy, estaba en todas partes del mundo”, declaró Da Corte desde su estudio al norte de Filadelfia. “Pero nunca había pensado en ella de cerca”.
En 2018, la Fundación Roy Lichtenstein donó al Whitney 400 obras del artista —casi la mitad de sus fondos—. Luego, en 2022, Dorothy Lichtenstein, viuda del artista, donó la antigua casa y estudio en Greenwich Village, que ahora alberga el Programa de Estudios Independientes del Whitney. Una exposición de gran escala, basada en esta generosidad, era el paso lógico.
Así nació Roy Lichtenstein: Like New, que se inaugura el domingo 11 de octubre. La muestra reúne una vasta selección de la obra de este ícono del arte pop: pintura, dibujo, collage, grabados, fotografías, escultura e incluso una película de tres canales, realizados entre principios de los años 40 y mediados de los 90. El reto para el Whitney fue montar una exposición de un artista tan conocido que conectara con el público actual.
“Recuerdo que Dorothy dijo: ‘No tienen que convertir esto en una retrospectiva tradicional. De hecho, probablemente sería mejor que no lo fuera’”, recordó David Breslin, quien inició la conversación con Da Corte antes de trasladarse al Museo Metropolitano de Arte como curador de arte moderno y contemporáneo.
Las instalaciones escultóricas y videos pospop de Da Corte recurren a la historia del arte estadounidense del siglo XX y a veces implican interpretar papeles de otros artistas. Se sumergió en el universo de Lichtenstein, en colaboración con la curadora del Whitney Meg Onli, de 42 años, organizadora de la Bienal del Whitney de 2024, cuyas exposiciones previas han girado en torno a la experiencia negra y los nuevos medios. “¿Qué? ¿No soy la primera persona en la que piensa cuando piensa en Roy Lichtenstein?”, bromeó Onli durante una entrevista conjunta.
Más allá del Pop Art
Ambos curadores esperan que sus perspectivas ofrezcan nuevas lecturas. Aunque la muestra incluye pinturas muy reconocibles como Girl With Ball (1961) y Drowning Girl (1963), se aleja de una visión estrecha del pop art, de recontextualizar imágenes de medios masivos y trasladar procesos de impresión industrial —los famosos puntos Ben-Day— al lienzo. En su lugar, Da Corte y Onli presentan a un artista también inspirado por enfoques conceptuales, como el movimiento Fluxus, que favorecía técnicas DIY y materiales baratos para crear arte espontáneo.
En su investigación, Da Corte se sintió fascinado por las entrevistas de Lichtenstein. “Al ver las palabras de Roy y cómo describía su obra, resultaba tan conceptual”, dijo. Además, Lichtenstein fue colega de Allan Kaprow, quien acuñó los “happenings”, y él mismo participó en uno en 1963. “Enseñaron juntos en Rutgers, y Roy se relacionaba con la gente de Fluxus”, añadió. “Pensé: ¿y si el marco del Pop ha sido un recurso limitante para entender su obra?”
Los curadores también rastrean un intercambio entre Lichtenstein y artistas de la Generación Pictures de los 70 y 80, que se apropiaban de obras existentes. Onli señaló que Lichtenstein se apropiaba de imágenes y también era objeto de apropiación. Por ejemplo, Elaine Sturtevant “copiaba la obra desde el momento en que él la hacía, y Lichtenstein le daba plantillas. Y él termina copiando su propia obra”.
La exposición incluirá una reconstrucción de la muestra debut de Lichtenstein en 1962 en la Galería Castelli. Será la primera vez que esa histórica exposición se reinstale en su totalidad, incluyendo el suelo de parqué y la iluminación original. “Fue difícil localizar todas las pinturas, incluida Laughing Cat, que perteneció a Andy Warhol”, afirmó Onli.
Una sala introductoria destacará Flash Lab, un estudio experimental de Hoyt Sherman, profesor de la Universidad Estatal de Ohio, donde Lichtenstein estudió en los años 40. En Flash Lab, los estudiantes veían destellos de luz que iluminaban naturalezas muertas y luego debían reproducir la imagen de memoria, convirtiéndose en cámaras humanas. Lichtenstein atribuyó a Sherman sus ideas sobre percepción visual e inclinación conceptual.
El curador como performer
Algunas pinturas bélicas célebres como Varoom! (1963) y As I Opened Fire (1964) evocan las explosiones de luz de Flash Lab, desarrollado por Sherman no solo para formar artistas sino también para entrenar pilotos de combate. Una galería incluirá un nuevo video de Da Corte interpretando a Hoyt Sherman; su transformación de ocho horas requirió maquillaje protésico. “Sentimos que sería una forma generosa de iniciar la exposición, de entrar en un espacio mental psicodélico de Lichtenstein antes de recorrer su vida de imágenes”, dijo.
Onli fue quien instó a Da Corte a realizar el video. “Hay una posición interesante que Alex puede asumir como artista-curador. ¿Por qué no aprovecharla?”. La perspectiva artística de Da Corte también se ve en la recreación de murales temporales de Lichtenstein. Señaló la réplica de Girl in Window (1963), instalada originalmente en la Feria Mundial de Nueva York. Rehacer la pieza —de acrílico sobre 10 paneles de madera contrachapada de 6,10 m por 4,88 m— le permitió comprender a Lichtenstein más profundamente. “Tuve que trabajar de formas que no correspondían con mis elecciones estilísticas habituales”, afirmó. “Me situó en el espacio del historiador o archivista”. Subrayó la naturaleza artesanal: “La manera en que pintaba los puntos, están en relieve como el braille. Uno entiende que es una persona profundamente involucrada con el tacto y hacer cosas a mano”.
Onli señaló que la aceptación de Lichtenstein de lo efímero como valor estético es un contrapunto a su estatus de artista de primera categoría (los precios se han disparado). “A Lichtenstein le interesaba la impermanencia. Estaba totalmente abierto a que esta obra fuera destruida”.
Lo primero que verán los visitantes será una réplica del Greene Street Mural, de casi 29,3 metros de largo, exhibido en 1983 en la Galería Castelli por seis semanas y luego cubierto con yeso y pintado. Ha sido rehecho por Colossal Media bajo supervisión de la sucesión de Lichtenstein, y será destruido al término de la muestra. Cuando el galerista Leo Castelli propuso la obra, Lichtenstein se sintió intimidado: “No sé, Leo. Es tan grande. Tendría que usar cada imagen que he pintado para llenarla”. Y así lo hizo: la composición incluye motivos como pinceladas, cuadernos, queso suizo, una escultura de Brancusi y una pintura de Picasso, además de objetos domésticos. Da Corte espera que los visitantes vean una comparación con enviar una cadena de emojis por mensaje de texto: “Es una retrospectiva por derecho propio: un resumen de su práctica visual a través de iconos”.
El director del Whitney, Scott Rothkopf, considera poco común poner a un artista a cargo de una figura tan importante, con altos costos y seguros. Pero la decisión, dijo, se tomó al reconocer que el museo necesitaba estar a la altura del momento: “El público del Whitney, en virtud de nuestros programas de admisión gratuita, se ha transformado radicalmente. Ahora es mucho más joven y diverso. No puedo dar por sentado que quienes cruzan nuestras puertas compartan la opinión de que Roy Lichtenstein, Jasper Johns o Andy Warhol están entre los mejores artistas”.
Da Corte añadió: “Aquí estamos, personas de color que somos queer, que tenemos una visión diferente del mundo. Aunque no parezca que se trate de mí, apuesto a que puedo aprender algo de esto”. Onli apuesta a que el público joven y nativo digital del museo “comprenderá de manera inherente lo que hacía Lichtenstein. Siempre estaba pensando en qué hacemos con las imágenes que recibimos, cómo las internalizamos y luego las volvemos a sacar al mundo”.
Fuente: Infobae